Los Combates Cotidianos

Los Combates Cotidianos (Cómic, 2003-2008) De Manu Larcenet. En original Le Combat Ordinaire.

Decía Robert Lane que “Una vez cubiertas las necesidades básicas, no es el dinero el factor de aumento de bienestar, sino otros menos evidentes.” Es decir, que el dinero es proporcional a la felicidad pero sólo hasta cubrir las necesidades básicas. A partir de ahí, por mucho que nos empeñemos en querer tener más, el mismo, no nos dará mayor felicidad sino que lo que lo harán serán otros factores menos evidentes. Esto es un pensamiento compartido por la mayoría de científicos y psicólogos.

Ya en 1943, el psicólogo Abraham Maslow formuló la jerarquía de las necesidades humanas (también conocida como pirámide de Maslow). En ella se establecen cinco niveles de necesidades, según la cual, las personas, se centrarán en cubrir las necesidades del nivel que no tiene cubiertas y sólo cuando un nivel de necesidades está cubierto, se establece la necesidad del siguiente nivel. Los primeros niveles están relacionados con las necesidades básicas de subsistencia. Los últimos tienen que ver con el reconocimiento y la autorrealización.

Entendiendo esto se explican algunas estadísticas que pudieran resultar contradictorias en un principio. Por ejemplo, que los porcentajes se suicidios se dan en mucha mayor medida en los países con mejor nivel de vida, que los índices de depresión van en aumento en los países con mejor renta…

¿Qué está pasando? Pues pasa que cuando uno no tiene cubiertos los primeros niveles de necesidades, tiene claro lo que necesita y se centra con todas sus fuerzas en luchar por ello, en luchar por la supervivencia… Sin embargo cuando esas necesidades ya las tiene cubiertas, aspira a cubrir las demás… Pero para necesidades como la autorrealización, no siempre es evidente lo que nos hace falta…

Hoy en día, en los países llamados del primer mundo, no es infrecuente encontrar a gente que dice que no es feliz, que está vacía, que no sabe que hacer con su vida, que tiene que buscar en su interior... De hecho, hay todo un negocio alrededor de ello… Pero esa insatisfacción no es mala en sí. La insatisfacción es solo la consecuencia de no tener cubierta una necesidad y si sirve para reflexionar y tomar decisiones que ayuden a cubrirlas habrán sido una base positiva. El problema es que muy a menudo mucha gente no sabe como cubrirlas y pasa la vida insatisfecha buscando la causa y dando bandazos, por no hablar ya de los que caen víctimas de gente sin escrúpulos que se lucra a cambio de prometer la felicidad o incluso cae en situaciones más complicadas de infelicidad o depresión.

Estas insatisfacciones de los que tenemos la suerte de tener las necesidades básicas cubiertas han de ser sólo la alarma que nos haga reflexionar y abordar cambios en actitudes u objetivos. Son la señal de que nos alejamos de lo que realmente necesitamos e insisto, es bueno que sea así si nos hace reflexionar y adoptar medidas para cubrir nuestras necesidades. Estas insatisfacciones, la búsqueda de sus causas y los medios para cubrirlas, son nuestros combates cotidianos.

Los Combates Cotidianos de Manu Larcenet es un cómic en el que se nos presenta el día a día de Marco, un fotógrafo de guerra con cierto éxito que sin embargo ha perdido la motivación y decide dejar por un tiempo el trabajo para dedicarse a fotografiar otras cosas, aunque no sabe muy bien el qué. Tiene un miedo atroz al compromiso lo que le hace no profundizar en ninguna relación sentimental. Acaba de dejar a su psicoanalista, al que lleva visitando años buscando en el pasado respuestas para un presente que encuentra vacío sin obtener resultados. Sufre ataques de ansiedad que le provocan inseguridad en sí mismo.

En el cómic, se nos presenta como es su relación con sus padres, en la que tiene algo de frustración que no sabe definir, o con su hermano y su cuñada, quizás el único con el que se encuentra a gusto fumándose petas pues le acepta sin cuestionarle. También van surgiendo nuevos personajes, como una veterinaria con la que inicia una relación, un anciano que se encuentra por el campo, los antiguos compañeros de su padre en los astilleros… Todo este conjunto de personajes se interrelaciona con Marco de distinta manera. No hay buenos ni malos, simplemente distintas personas con sus distintas casuísticas. De hecho el cómic no tiene un hilo conductor más que el de las autorreflexiones de Marco. El resto no es más que el retrato de sus combates cotidianos, en los que lucha por superar sus insatisfacciones cuando encuentra las causas o simplemente convive con ellas cuando no lo hace.

La historia no evita entrar en ningún tipo de debate, moral, político, social… pero no hace juicios de valor. Simplemente los argumenta e interpola los distintos puntos de vista ante todos ellos sin definirlos como buenos ni malos, sino explicando, a través de los personajes, el porqué de su existencia.

El dibujo, que a mí me ha enganchado, puede parecer el de una viñeta cómica, pero nada más lejos de la realidad. Aunque no faltan los detalles de humor, es en realidad una novela de gran profundidad con tintes existencialistas. Es increíble como el autor consigue generar tanta reflexión en el lector sin buscar una historia singular o una trama fuera de lo cotidiano. No tiene un principio ni un fin. El cómic empieza en un momento concreto del día a día de Marco no distinto a cualquier otro y finaliza en otro punto, en el que ha salido victorioso de algunos de sus combates, en otros sigue en ello y otros nuevos han surgido.

Esta novela gráfica, compuesta de cuatro tomos, tiene varios premios y ha sido muy alabada por la crítica. Decir que algo merece mucho la pena siempre crea una expectativa que luego suele decepcionar a los demás, pero de verdad, es de lo que más me ha gustado que haya leído últimamente… Aunque tampoco sabría definir muy bien por qué.

A través de los combates cotidianos de Marco, el autor consigue que nos cuestionemos muchas cosas, o si no que nos las cuestionemos, al menos que le demos vueltas a algunas de ellas y quizás, que encontremos alguna pista que nos ayude a superar algunos de nuestros propios combates cotidianos.

Trazo de Tiza

Trazo de Tiza (Cómic, 1992) De Miguelanxo Prado.

Esta novela gráfica es una obra de arte excepcional. Ya las expectativas eran muy altas antes de leerla por todas las buenas críticas y premios que tiene, pero tras su lectura no puedo más que corroborarlo.

En el cómic, Prado nos muestra la historia de cuatro personajes que coinciden en una pequeña isla que parece un trazo de tiza en medio del mar. A pesar del reducido tamaño de la isla (solo tiene una fonda y un faro que no funciona) cada uno de ellos ocupa su espacio, su soledad.

El trazo, el color y la composición de las viñetas, además de ser artísticamente muy buenas, contribuyen a crear un contraste entre unos paisajes teóricamente relajantes y una atmósfera cargada, claustrofóbica…

Este dibujo, unido a unos diálogos que tienen la habilidad de ir desencadenando un clima de tensión a la vez que no encuentras explicación para la misma, y que están llenos de referencias literarias no siempre a simple vista… conforman el puzzle que resulta el cómic… lo mejor del mismo… el conjunto en sí.

Esta atmósfera que se va creando, en donde algo en tu interior te dice que algo no encaja pero no sabes qué atendiendo a los acontecimientos… es una sensación tan lograda… que durante todo el tiempo tendrás la sensación que tiene uno de los protagonistas del cómic cuando dice “La isla es un puzzle en el que las piezas encajan por su forma, pero no componen la imagen lógica esperada”.

Sólo por todo lo descrito ya sería un cómic digno de lectura. En una lectura lineal, entenderíamos la historia desde el punto de vista de Raúl, que llega a la isla perdido en un día de tormenta y se encuentra a la posadera y su hijo junto con Ana, una misteriosa turista que espera a alguien y de quien acaba enamorándose… En esta primera lectura, el cómic ya nos revela todas las sensaciones descritas; angustia, claustrofobia, soledad, tensión… y esa constante de que algo en el conjunto no encaja.

Pero es cuando llegamos al final en que la perspectiva nos cambia… Y entonces, como hice yo y como seguro habrán hecho todos los que hayan leído este cómic… Lo volvemos a leer. Pero ya nuestro protagonista no es Raúl, sino Ana. Nos ponemos en su perspectiva y reparamos en todos esos detalles, compuestos de viñetas y diálogos, que le dan sentido a su historia y en los que antes ni siquiera reparamos…

En el cómic se da uno de los temas recurrentes en muchas de las películas o libros que me gustan. No lo menciono porque sería destripar la historia, aunque supongo que también eso ha influido en que me haya gustado tanto.

Bueno, acabo como empecé… No me extraña la merecida fama que tiene esta obra. Por lo menos a mí, me ha sorprendido mucho y bien, a pesar de tener ya una expectativa muy alta.

Matadero Cinco

Matadero Cinco o La Cruzada de los Niños (1969) De Kurt Vonnegut. En original Slaughterhouse-Five.

Vonnegut fue un escritor estadounidense especializado en ciencia ficción. Su estilo, de humor negro, ironía y sarcasmo le convirtió en un escritor famoso en el siglo pasado.

Uno de los hechos que le marcaría de por vida fue su participación en la segunda guerra mundial. Allí quedó separado de su pelotón varios días detrás de las líneas enemigas hasta que finalmente fue hecho prisionero. Posteriormente, como prisionero, fue trasladado a Dresde en donde tuvo la desgracia de presenciar en primera persona el bombardeo de la ciudad. Fue uno de los contados supervivientes.

El bombardeo de Dresde sigue siendo aún hoy uno de los episodios más polémicos de la segunda guerra mundial. En un bombardeo masivo se destruyó la ciudad y sus habitantes. Aún hoy se debate entre si existía alguna justificación estratégica para tal masacre o si solamente se trato de una represalia innecesaria. Incluso hay gente que lo enumera como uno de los crímenes de guerra del bando aliado.

Toda esta introducción viene a colación para situarnos en el nacimiento del libro Matadero Cinco. Vonnegut, que sufrió el bombardeo en primera persona, quedó altamente impresionado por el mismo. De hecho, como prisionero, participó en la quema de los cuerpos de las víctimas con lanzallamas ante la imposibilidad de enterrar tal número de cadáveres. Durante su posterior etapa como escritor, nunca renunció a hacer un libro que narrara aquellos hechos, pero nunca encontró el momento ni el modo. Todo esto lo narra en el primer capítulo, que es en realidad una introducción en donde se explica todo lo que viene después pues al final, Vonnegut, sí que encontró el ánimo y la forma para plasmar todo lo que quería decir… narrando la historia de Billy Pilgrim.

Pilgrim es un personaje de ficción que sufre los mismos acontecimientos que le tocó sufrir a Vonnegut. Con este recurso aprovecha para poder narrar los hechos que ocurrieron pero también para mucho más, pues poniendo como protagonista a un personaje irreal se ve liberado del relato histórico y en cambio nos muestra el relato de ciencia ficción de un joven, bastante torpe, inocente y bobalicón que tiene la capacidad de viajar en el tiempo a lo largo de la línea temporal de su vida, que es secuestrado por unos alienígenas (los trasfalmadorianos) y que tiene la capacidad de percibir el tiempo como un todo, no como una sucesión de sucesos.

Muchos describen por ello a Matadero Cinco como una novela más de ciencia ficción de Vonnegut. Los personajes y extraterrestres que aparecen son los recurrentes en sus obras. Sin embargo, basta con adentrarse un poco en la lectura de la novela para entender que no se trata de una obra de ciencia ficción exactamente sino que los hechos que le ocurren a Pilgrim tienen una explicación psicológica.

Sea como fuere, el autor aprovecha magistralmente este argumento para crear un relato que deja ver su visión filosófica de la intranscendencia de la existencia como hecho en sí, de la banalidad de la de la concepción temporal y el libre albedrío, de la deshumanización y sinsentido que suponen las guerras… Y todo ello con un humor negro, irónico, lleno de metáforas y de guiños inteligentes…

Hay páginas realmente magistrales como aquella en que Pilgrim que sabía que esa noche iba a ser secuestrado por un platillo volante (lo sabía porque ya había estado en el futuro) no podía dormir y se baja a ver la televisión. Ve un documental de un bombardeo de la segunda guerra mundial. Pero como el no percibe el tiempo de manera lineal, lo observa también al revés, como si fuera una cinta marcha atrás. Así contempla con satisfacción como en una ciudad incendiada unos cacharros con forma de bomba recogen todo el fuego dejando la ciudad perfecta. Estos cacharros se meten en la panza de unos aviones que vuelan marcha atrás. Estos aviones aterrizan de espaldas en un aeropuerto militar. De estos aviones sacan estos cacharros y los llevan a unas fábricas. En estas fábricas desmiembran estos cacharros y transportan el material explosivo que había en ellos a unos lugares o canteras en donde lo entierran para que no hagan daño a nadie…

Bueno podría enumerar muchos episodios que me parecen soberbios de esta novela, pero mejor dejo que los descubráis a quienes os animéis a su lectura.

Reconozco que es verdad que se dan muchas cosas en este libro que normalmente forman parte de los contenidos sobre los que me gusta leer y pensar, y que quizás desde el punto de vista estilístico no sea de las mejores del mundo… Pero, por lo que sea, tendré que leer el resto de mi vida obras muy buenas para que si alguna vez hago un inventario, ésta no figure entre los primeros puestos de mis favoritas…

Una Pistola en Cada Mano

Una Pistola en Cada Mano (2012) Dirigida por Cesc Gay y protagonizada por Ricardo Darín, Luis Tosar, Javier Cámara, Eduardo Noriega, Leonor Watling, Eduard Fernández, Leonardo Sbaraglia, Jordi Mollá, Alberto San Juan, Clara Segura y Ernest Villegas.

Reconozco ser poco transigente con los temas de los estereotipos por sexos. Es algo que me mosquea bastante y que seguramente debería llevar con más humor… pero no lo puedo evitar, me mosquea bastante.

El que a los hombres y a las mujeres nos encasillen con determinados comportamientos está bien para dar juego en monólogos, en chistes o en películas, pero hay algo en mi que se resiste a resignarme a este encasillamiento, supongo que porque el papel que le toca jugar a los de mi sexo en dicho en encasillamiento no me deja muy bien… Incapaz de hacer dos cosas a la vez, poco comunicativo sobre todo para ciertos temas, inmune a ciertas emociones, torpe en general y con un pene por cerebro…

Supongamos que es verdad que por “naturaleza de genero” los hombres somos así.

Hay dos posibilidades:

a) Yo soy del grupúsculo que excepciona la regla. En ese caso me toca luchar el resto de mi vida para que la gente con quien me relaciono no me encasille con un comportamiento que no me identifica…

b) Yo no soy ninguna excepción. En ese caso, mejor aceptarme y rendirme a mi naturaleza…

Supongamos que no somos así por naturaleza, sino por educación, por adecuación a un molde que nos establecemos, recurramos al viejo tópico de la sociedad es la culpable…

c) En ese caso me toca luchar por romper el círculo vicioso, revindicar mi sitio y manera de ser con independencia del género y convencer a los demás de lo mismo, si no ya para cambiarnos a nosotros, sí por lo menos a los que vienen detrás…

Supongamos que no somos así por naturaleza, ni tampoco por molde, simplemente no somos así, pero nos comportamos así por asimilación de conductas, por imitación, por aceptación en la tribu… la tribu del género…

d) En ese caso me toca luchar contra las reglas de identificación de mi tribu, intentar cambiar las que procedan y reivindicar con vehemencia la eliminación de los estereotipos de género…

Podría seguir con posibles escenarios pero esto resume más o menos los más probables, que en el fondo, son las causas que los que se dedican a teorizar sobre las diferencias de comportamientos en géneros exponen. Resumiendo, sea cual sea la causa se esta situación, en casi todas ellas me toca un papel de lucha, excepto en una, que no me queda más que la rendición.

Como no me gusta rendirme (¿A quién le gusta?) pues en la lucha estoy… de ahí el comienzo de la entrada: reconozco ser poco transigente con el tema de los estereotipos por sexos, pero bueno, también reconozco que a veces, bien usados y en contexto, pueden ser divertidos.

A todo esto… yo iba a hablar de una peli ¿No? Pues eso, Una pistola en cada mano. Una película que va precisamente de esto, de los problemas y debilidades de los hombres de hoy en sus relaciones con las mujeres.

La película tiene distintos capítulos sin conexión (bueno, alguna hay, al final, pero es lo de menos) en los que se abordan las situaciones de distintos protagonistas. Cada uno de los capítulos puede tener más o menos acierto en lo de los estereotipos, pero en todos ellos, se renuncia a la broma o carcajada fácil y en cambio se busca la empatía y la sonrisa del espectador y en mi opinión con acierto. El guion es muy inteligente y sólo por él, ya merece la pena ver la película.

Una película con un buen guion basado en diálogos necesita de buenas interpretaciones, y esta las tiene. Como leí en alguna crítica, algunos actores viven, más que interpretan, a los personajes. Lo demás en la película es secundario y tampoco hace falta.

Poco más os voy a contar de la película (es lo que tiene enrollarse tanto al principio). Salvo que os la recomiendo pues a mí por lo menos me gustó bastante.

Ya os he comentado alguna vez lo de mi predilección por Woody Allen, y no es que este guion llegue a su ingenio y profundidad psicológica, pero desde luego, empieza a peligrar su patente sobre los buenos diálogos y necesidades de psicoanálisis…

PD: Para que veáis que hago progresos en lo de intentar tener sentido del humor con lo de los estereotipos de género, ahí va un chiste que me hizo mucha gracia:
- Mi mujer me ha abandonado. Dejó una nota en el frigorífico que decía “Los dos sabemos que esto hace tiempo que no funciona, me marcho.” No hay quien entienda a las mujeres, he abierto y comprobado el frigorífico varias veces y funciona perfectamente…

1280 Almas

1280 Almas (1964) de Jim Thompson. En original Pop. 1280.

Esta novela, figura en algunas publicaciones, webs y críticas como una de las mejores novelas negras del siglo pasado, aunque en muchas de ellas, matizan que no es una novela negra al uso. Para muchos, la mejor obra Thompson. Yo llevaba un tiempo queriendo echarle el guante, pues aunque soy un ortodoxo del género, lo que leía de este libro me llamaba la atención. Tras leerla, la verdad es que yo no la calificaría como una novela negra muy al uso, ni si quiera policiaca aunque el protagonista sea un cheriff, pero aun así es una lectura que me ha gustado bastante.

La novela está escrita en primera persona, con los pensamientos, diálogos y reflexiones de Nick Corey, un cheriff de un pueblo sureño de la américa profunda. Al principio el personaje puede caer simpático al lector, pero es seguro que al final se le acabará odiando. Nick, se nos presenta al principio como muy vago y bastante idiota… pero poco a poco se va evidenciando que de idiota no tiene nada y que es bastante listo en realidad y según avanza el libro se muestra que en realidad se trata de una persona manipuladora, egoísta, amoral, asesina… un psicópata. Un hombre que no tiene reparos en hacer daño, matar o lo que haga falta con tal de conseguir sus propósitos que no son otros que los de perpetuarse en su cargo de cheriff. Aunque no lo parezca no os he destripado la novela contándoos esta evolución, basta con mirar cualquier reseña o contraportada de la misma para que se nos cuente la evolución del personaje. Si el libro tiene tanta fama es por muchos otros alicientes.

Para empezar, la maestría del autor en ponerse en la mente de un personaje perturbado. En todo momento vivimos el autoengaño y la justificación del personaje para sus actos, hasta el punto de que en más de una ocasión se siente cansado y enojado por tener que hacer las cosas que “sabe” que según él tiene el deber de hacer y que otra gente, por cobardía o desentenderse, no se atreve a hacer.

Es también destacable el humor negro que se desprende de las reflexiones del protagonista. Una persona que se autoengaña en sus actos y para ello engaña a los demás, da para muchas situaciones casi surrealistas… aunque por desgracia para el resto de personajes de la novela, también denigrantes y violentas.

La ambientación en este pueblo inventado de la américa profunda (con 1.280 habitantes…) da la excusa para reflejar, con crudeza e ironía a la vez, todo el racismo, machismo y resto de prejuicios que durante mucho tiempo caracterizaron al sur de los Estados Unidos.

Es conocido que el autor tuvo una infancia difícil, hijo de un cheriff corrupto en el que muchos han querido ver la inspiración para el personaje protagonista. Nunca había leído nada de él, pero es un autor denostado por algunos, que lo consideran excesivo en su dureza y mal gusto, e idolatrado por otros, hasta el punto de ser un autor de culto. A mi no me a parecido para tanto, ni por un lado, ni por otro, eso sí, si a alguien no le gustan las palabrotas o las considera de mal gusto, mejor que se abstenga de la lectura de esta novela… No hay prácticamente frase en la que no aparezca alguna.

En fin, una novela que a mí me ha entretenido mucho, sobre todo la primera parte. Algo menos sobresaliente en el final, pero en cualquier caso muy curiosa. No sé muy bien si recomendarla… Es de esas que no dejan indiferente, para lo bueno o lo malo, tengo claro a quienes de mis amigos la recomendaría y a quienes no… pero claro esto lo leeréis más de uno, supongo… así que…

Waking Life

Waking Life (2001) Dirigida por Richard Linklater.

Llevo unos días sin aparecer por aquí… no penséis que me he hecho un ermitaño alejado de las tecnologías, es que ando con cambios logísticos y no tengo tiempo para mis aficiones y por lo tanto no tengo mucho que añadir últimamente al blog. Aún me quedan unos días de logística pero en breve volveré a tener ratos libres (o acabaré más zumbao que alguno de los protagonistas de las pelis que os he comentado…)

Sin embargo, he tenido tiempo para ver la película Waking Life. La idea de la película surgió gracias a la recomendación de una compañera de colegio en el que me han aceptado como miembro. Se trata de un colegio invisible aunque no estemos en el siglo XVII, pero bueno, eso es otra historia, que como siempre me desvio del tema principal.

Me llamó la atención de esta película que trataba sobre temas filosóficos actuales y esto me resultó interesante, así que me puse a buscar información sobre ella.

Aunque no me sonaba de nada resulta que la película era bastante conocida y diría también que reconocida, por lo que ya tuve el último empujón que me faltaba y mis niveles de curiosidad se dispararon aún más.

Una vez vista, he de reconocer que me ha gustado bastante, casi me he recriminado el no conocerla previamente, pues es una de esas pelis que guardaré para volver a ver algún día.

Se trata de una película de animación, realizada con una técnica denominada rotoscopia, que la verdad tampoco sabía lo que era, pero que queda bastante chula. En cualquier caso, lo que me ha gustado más de la película es su argumento.

La historia trata de un chaval, el protagonista, que tiene una serie de sueños o sueño pero en un estado de lucidez aparente, de manera que al final acaba tomando conciencia de que está soñando. Esto no es más que el método elegido por el director y guionista para su propuesta que no es otra que la de presentarnos distintas teorías sociológicas, filosóficas y políticas que se encuentran en el debate actual como resultado de los últimos conocimientos y avances científicos, tecnológicos y psicológicos.

La manera de presentarlos es mediante conversaciones entre el protagonista y distintos personajes (generalmente monólogos por la actitud pasiva del protagonista) y a veces mediante diálogos entre terceros personajes en los que no está el protagonista.

A excepción de alguna teoría curiosa, como por ejemplo una cinematográfica que aparece y yo no conocía, el resto de reflexiones que aparecen en la película no aportan nada nuevo si sois curiosos y estáis al tanto de los derroteros de las reflexiones actuales sobre el hombre, la vida, la evolución, los sueños, la sociedad… y tampoco se profundiza mucho en ninguna de ellas, pero la idea de enlazarlas todas en un mismo film me parece muy interesante y el modo en que se ha hecho muy acertado.

Es curioso que la mayoría de los pensamientos o teorías que se plasman se plantean de un modo teórico… pero sin embargo, existen otros para los que el guionista ha preferido no plantear la teoría sino la práctica mediante el comportamiento de alguno de los personajes. Lo primero se suele dar en los diálogos que tienen personajes con el protagonista, lo segundo, más entre situaciones entre terceros personajes, aunque esta norma no se da siempre.

Al final, como os decía al principio es una película que me ha gustado bastante. Me alegro de haber seguido esta recomendación. Desde luego para volver a despertar la curiosidad por muchos temas transcendentales es un método infalible. Muy recomendable.

Bueno, voy a seguir con mis temas logísticos, ya me queda menos…

La Escalera de Jacob

La Escalera de Jacob (1990) Dirigida por Adrian Lyne e interpretada por Tim Robbins, Elizabeth Peña y Danny Aiello. En original Jacob’s Ladder.

Esta película llamó mucho la atención en su época. Aunque tuvo sus detractores, es por muchos considerada una peli de culto. Las criaturas o demonios que en ella aparecen han servido de inspiración a películas o videojuegos como Silent Hill. La crítica la define como angustiosa, brillante, y sobre todo destacan la manera en que se llevan a la pantalla las alucinaciones y pesadillas. El caso es que tenía ya ganas de verla y acabo de hacerlo.

Me ha gustado mucho y a pesar de que reconozco que ciertas cosas debieron ser innovadoras en su época, lo que más me ha llamado la atención ha sido el guion, sorprendente, inteligente y muy bien llevado a la pantalla. Voy a intentar describir algo de él sin destripar nada, allá vamos.

La historia es la de Jacob Singer, un veterano de la guerra de Vietnan. En un ataque en Saigón, se produce una escabechina en su batallón y él es uno de los supervivientes. Todo esto lo vemos en pesadillas o recuerdos del protagonista, que ahora vive en Brooklyn con una nueva relación, trabajando de cartero, intentando superar los recuerdos de aquella batalla, de la separación de su mujer y de la muerte de uno de sus hijos. Pero esos recuerdos le atormentan en forma de pesadillas y lo que es peor, poco a poco comienza a ver seres extraños, como demonios o seres atormentados… y por si fuera poco, estos parecen querer matarle.

En toda esta historia, hay un personaje que es el único que parece ayudar y entender a Jacob, su fisioterapeuta. Hasta aquí una película interesante con un guion varias veces llevado al cine, el de los traumas de los veteranos de guerra.

Sin embargo, empiezan a ocurrir cosas extrañas, como que no aparece en las listas de tratamiento… o que parece que algunos otros compañeros tienen las mismas experiencias que él…

Entonces el argumento toma un giro de explicación lógica de lo que ocurre… pasando a ser una de esas películas con argumento conspirativo y la cosa se pone cada vez más interesante a la vez que el ritmo de angustia y paranoia alcanza su cenit con absoluta maestría.

Sólo con todo esto, la película ya valdría la pena, pero lo más sorprendente es el final. Entonces te das cuenta de que todo era distinto a lo que pensabas y de repente te quedas totalmente descolocado… pero solo tardas un ratito en ver con que inteligencia encaja todo ahora, el extraño papel del fisioterapeuta y lo que Jacob le dice que le recuerda, la cita que éste le dice a Jacob, el significado bíblico de la escalera de Jacob, el sentido de algunas de las alucinaciones o pesadillas…

Realmente, solo al final de verla, de das cuenta y entiendes el significado de todo lo que acabas de ver… y el resultado es magnifico. Una gran idea, un gran guion y una manera brillante de llevarlo a la pantalla. No decepciona, y como suele ocurrir en las grandes películas, en parte por eso lo son, además de todo lo destacable del guion y la dirección, hay que destacar también la soberbia interpretación del protagonista.

Si no la habéis visto, merece la pena… no os esperéis innovación en cuanto a la angustia y personajes, pues ha llovido desde entonces… pero cuando acabéis de verla, me contáis.

Dogville

Dogville (2003) dirigida por Lars von Trier y protagonizada por Nicole Kidman.

¿Tenéis fe en la humanidad? Si la tenéis, esta película os va a resultar exagerada y falaz. Si no la tenéis, seguramente os parecerá acertada en el análisis de lo peor del ser humano. Si como yo, en todo lo referente a temas de fe, optáis por el agnosticismo… os resultará una propuesta interesante, sobrecogedora y sobre todo desalentadora.

La película narra la historia de un pueblo, Dogville, al que llega una forastera que huye de unos gangsters. Dado el reducido número de habitantes del pueblo, todas las decisiones las toman en asamblea. Finalmente deciden acogerla a cambio de ciertas condiciones.

Los habitantes tienen personalidades y maneras de ser distintas, sin embargo, a través de las relaciones entre los habitantes del pueblo y de éstos con la forastera, se nos va mostrando poco a poco lo peor de cada uno. La visión de los habitantes del pueblo es desalentadora pues nos muestra que en el fondo todos se mueven por miedo y aprovechan la debilidad para ejercer la violencia sólo contra quien no puede defenderse, llegando a la maldad, a la depravación, a la violación física y moral del más débil, todo ello, con un halo de hipocresía con la que autojustifican su mísera conducta… Todo esto puede parecer una visión extremista de del ser humano, pero al fin y al cabo es la que argumenta mucha gente cuando busca una explicación a los genocidios, las violaciones masivas en las guerras, las torturas… cuantas veces nos hemos hecho la pregunta de… ¿Cómo es posible que todos participaran? No puede ser… eso solo lo hace la gente muy mala… ¿Como es posible que TODOS lo hicieran?

En cualquier caso, y aunque el comportamiento de los habitantes del pueblo resulta ser el mismo, los matices, el tratamiento de la circunstancia de cada uno y la autojustificación con la que moralmente se satisfacen en su comportamiento da para mucha reflexión. Especialmente en el personaje co-protagonista, que teóricamente está enamorado de la forastera y resulta ser sin duda el más desalentador.

Y si el comportamiento de los habitantes del pueblo es extremista… el de la forastera no se queda corto. Representa la inocencia más extrema en la justificación y fe en la conducta del ser humano. Con un personaje tan inocente y bueno podemos pensar que la visión de la película tampoco es tan desalentadora, sino simplemente radical en la simplificación del comportamiento de las personas… Bueno, pues esperad al final, que para eso también hay una conclusión, pero por tratarse del final la voy a omitir aunque también daría para mucho.

En cuanto a la propuesta artística, que siendo sincero, fue el motivo principal por el que me decidí a verla tras haber leído sobre ella, resulta una película sorprendente, y en mi opinión, la innovación de la misma, en este caso lleva emparejada el acierto. ¿Por qué digo esto? Pues bien, toda la película se representa en una gran nave. No existen decorados salvo algún pequeño mobiliario y las casas y las calles del pueblo están simplemente pintadas en el suelo de la nave. Toda la película se desarrolla en el mismo decorado, y al no haber paredes, mientras se observa el dialogo en el interior de una casa se sigue viendo lo que siguen haciendo el resto de los habitantes del pueblo. Esto ya lo había visto en teatro alguna vez, pero nunca en cine y la verdad, para esta película me ha gustado, me ha parecido atrevido, pero acertado. Algo parecido ocurre con el montaje. Los diálogos se toman desde distintos planos que van cambiando de manera poco convencional, a veces cortando incluso el ritmo de continuidad en la conversación… pero todo con un sentido, fijaros si la veis en los momentos y lo que se está hablando cuando esto se acentúa…

Por último me ha parecido muy destacable la interpretación de varios de los actores, incluyendo a la protagonista, Nicole Kidman, aunque no sea su principal fan (bueno, pensándolo bien, no lo soy de nadie, que fanáticos ya tenemos muchos...)

El resultado final, es el de una película que creo que merece la pena ver. Tiene muchísimos más defensores que detractores y quienes la critican lo hacen por lo atrevido de su propuesta, lo radical del planteamiento o el que sea un pueblecito americano en el que ocurre la trama pues muchos la consideran como parte de una trilogía antinorteamericana del director y no le perdonan que haga esto no siendo de allí y no conociendo mucho el país… en fin, yo en realidad creo que el mensaje que se nos quiere dar no es de ningún país en particular, sino del ser humano, otra cosa es que se comparta o no, o que simplemente como yo, en cuanto a la fe en la humanidad… prefiráis el agnosticismo.

La Fábrica de Avispas

La Fábrica de Avispas (1984) de Iain Banks. En original The Wasp Factory.

Ésta es la primera novela de Iain Banks. Para muchos su mejor novela y sin duda la que le encumbró en la literatura británica. La misma es considerada una novela de culto y considerada por muchos críticos como original y excepcional.

Sin embargo, a pesar de esta casi unanimidad, no faltan aquellos detractores que la consideran una novela de mal gusto sin ninguna aportación adicional.

A los que ya me conocéis nos os sorprenderá que os diga que estas opiniones que demuestran que es una obra que no deja indiferente me resultan escusa suficiente para adentrarme en la lectura de esta novela y salir de dudas por mi mismo.

A menudo la gente confunde psicópatas con psicokillers. La gran mayoría de los psicópatas no son asesinos. Los psicópatas son aquellas personas que no son capaces de sentir empatía por los demás, de ponerse en su lugar, de sentir remordimientos por cualquier perjuicio que pueda causarles en favor de sus propios intereses. Como la mayoría de la gente no siente necesidades de matar, la mayoría de los psicópatas no las tienen tampoco, pero sí son capaces de hacer cualquier cosa por su propio beneficio, aunque perjudique a los otros, en el ambiente laboral, vecinal, familiar… El porcentaje de psicópatas es mucho mayor de lo que la gente se cree.

Por desgracia, un reducido grupo de los psicópatas tienen además instintos homicidas y al ser personas sin ningún tipo de remordimientos por lo que les puedan causar a los demás, no tienen ningún tipo de reparo en convertirse en asesinos.

Este libro trata en primera persona de las experiencias de un chaval de 16 años, que ya ha asesinado tres veces. Su comportamiento de maltrato animal y desprecio a la vida de los demás responde a las similitudes que muchos expertos advierten en la infancia de los psicokillers, como también lo son los traumas sufridos que se aprecian también en algunos de estos homicidas.

Lo original de esta novela, es que nos sitúa en todo momento en la cabeza de este chaval, y nos vemos inmersos en la “lógica”, bastante irracional, de una mente de estas características. Así nos metemos dentro de una justificación de rituales absurdos, supersticiones, manías, desprecio por los demás, venganza… Esta inmersión en esta mente es sin duda la clave del éxito de esta novela y el gran logro del autor, pues aunque la perspectiva de un psicópata ha sido tratada muchas veces en la literatura, aquí el autor logra que esta incursión se haga de la manera más subliminal posible hasta conseguir que casi te resulten lógicos algunos de los rituales descabellados del sujeto.

No le falta parte de razón a los que la consideran una novela de mal gusto en el sentido de que algunos episodios no son precisamente lo más recomendable para estómagos sensibles, pero no creo que estas escenas sean un fin en sí mismo, sino necesarias para entender la perspectiva de la mente del protagonista y los sujetos de su entorno familiar, que tampoco tienen desperdicio.

Como conclusión, coincido en que es una gran novela, original, excepcional… Creo que los que la critican no han sabido entender la aportación de la misma. Puede que no la cuente entre mis mejores novelas de todos los tiempos, pero ha merecido la pena su lectura.

Mulholland Drive

Mulholland Drive (2001) Dirigida por David Lynch e interpretada por Naomi Watts y Laura Harring.

Vaya película. Había leído maravillas de ella, según muchos críticos, entre las 10 mejores películas de la década. También había leído que había gente que la consideraba como una tomadura de pelo.

La acabo de ver, y coincido con los primeros. Es increíble. ¿Por donde empezar? Bueno pues por el principio, supongo. A ver como lo hago sin desvelar nada de la misma… lo voy a intentar.

La película trata de una aspirante a actriz que llega a Los Ángeles y conoce a otra chica que ha perdido la memoria en una situación muy extraña. A partir de ahí se siguen desarrollando los hechos en una especie de aventura lineal. Hasta ahí todo normal, excepto dos o tres detalles. Hay personajes muy poco creíbles en su puesta en escena, secuencias que parecen tener, de momento, poco que ver con la trama principal y sobre todo, sobreactuaciones en algunos personajes alejándose mucho de lo que sería una interpretación natural. ¿Qué está pasando aquí?

Pues bien, dos tercios de la película siguen en esta línea más o menos. Sin embargo, en el último tercio se produce un punto de inflexión en el que todo cambia. Los personajes son los mismos, pero su situación nada tiene que ver con lo visto en la primera parte de la película. La interrelación entre ellos es totalmente distinta y es una situación que no es compatible con la primera parte en ningún escalonamiento temporal por mucho que lo intentemos.

Aquí es donde ya no entendemos nada y esperamos con expectación a que se produzca una conclusión que nos aclare todo lo que estamos viendo pues efectivamente parece que o nos están tomando el pelo o que cuando hicieron el montaje se habían corrido una juerga el día anterior y todavía les duraba la resaca. Pero lejos de darnos una conclusión con una resolución, la película va… y se acaba.

Si eres de los aficionados a los crucigramas que cuando no tienen una palabra no puede esperar y tiene que preguntársela a alguien pues si no lo concluye en el mismo momento no alcanza satisfacción, quizás deberías abstenerte de ver esta película. Si por el contrario has disfrutado alguna vez con los ejercicios de lógica en que no te daban la solución y tenías que hilar tú las premisas para llegar a una conclusión de la que nunca tendrías más certeza de ser la correcta que la de tu propia convicción, esta película te apasionará. En el segundo caso, cuando acabas de ver la película, comienza lo bueno.

He necesitado un tiempo tras verla para que me empezara a encajar todo. Y creo que he encontrado la solución, si es que se puede llamar así. En ella encajan estas dos partes tan diferenciadas de la misma y sobre todo, las cosas que me llamaban la atención de la primera parte de la película. Si tuviera que definir con una palabra esta película, sería simbolismo. Nunca he visto una película tan cargada de simbolismo y de doble sentido como ésta. Hay que estar realmente despierto para degustar todas las metáforas y seguramente, merece una segunda visualización para corroborarlas una vez se ha establecido una hipótesis.

Una cosa que me llamó la atención cuando busqué información de la película antes de verla es la de foros que había dedicados a la interpretación de la película. No quise leer ninguno hasta no haberla visto yo. Ahora que lo he hecho he comprobado que aunque con matices muy distintos la mayoría de la gente que la ve coincide a grandes rasgos en la interpretación de la misma. Eso está bien, película difícil, pero no imposible.

Yo desde luego la he disfrutado muchísimo. A todo esto hay que sumarle una calidad artística muy por encima de la media (sí, ya sé que he dicho esto con varias de las películas que comento, pero es que tampoco las escojo al azar ;-)) y una interpretación de Naomi Watts de las que en un teatro alargaría los minutos de ovación.

Bueno, si alguien la ha visto o se anima, contadme, tengo curiosidad por las interpretaciones.

Nota: Después de haberla visto, he leído en varios sitios que el director da unas recomendaciones para quien las quiera y de haberlo sabido no me hubieran venido mal pues aunque no te desvelan nada, te ayudan a prestar atención a determinados momentos de la película. Aquí os las dejo por si os animáis a verla:

• Poner particular cuidado al inicio de la película, por lo menos dos pistas son reveladas antes de los créditos.
• Considerar lo que sucede en las tomas en donde se encuentra la lámpara roja.
• Recordar el título de la película para la que Adam Kesher está audicionando actrices y verificar sí se menciona de nuevo a lo largo de la historia
• Un accidente es catalogado como un evento terrible... hay que considerar el lugar donde ocurrió el siniestro que da origen a la trama.
• Ver cual de los personajes entrega una llave y saber el motivo de porque lo hace.
• Prestar atención a los siguientes objetos específicos: un cenicero, una taza de café y una bata, que aparecen en distintos momentos de la película.
• Verificar que es lo que sucede dentro del club "El Silencio"
• Preguntarse sí el talento fue lo único que ayudó a Camilla
• Prestarle atención al hombre que está detrás de "Winkies" y que es lo que sucede con él posteriormente.
• Preguntarse en que lugar se encuentra la tía Ruth

Réquiem por un Sueño

Réquiem por un Sueño (2000) Dirigida por Darren Aronofsky e interpretada por Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Connelly y Marlon Wayans. En original Requiem for a Dream.

Otra película de Aronofsky, de nuevo algo distinto… algo que no deja indiferente…

Han sido muchas las películas que han tratado el drama de la droga desde distintas perspectivas. Esta es una más. Basada en una novela, no presenta un argumento nada original, en una barriada de Brooklyn, los protagonistas se ven arrastrados por el declive de su adicción hacia un final que el espectador intuye desde el primer momento. Sin embargo, de todas las películas que recuerdo sobre esta temática, ésta es la que me ha parecido más brutal sin ninguna duda.

Aronofsky utiliza de nuevo los recursos que en Pi, Fe en el Cáos tan bien supo consumar con maestría. De nuevo la fotografía es espectacular, de nuevo la banda sonora acompaña a la paranoia y angustia espiral en que te ves envuelto, (es una banda sonora repetitiva, cargante y a la vez sublime y perfectamente compenetrada con el resto de la película). Pero lo que de nuevo se repite de manera magistral, por encima de cualquier otro aspecto es el dominio del director del uso de las distintas técnicas; montajes rápidos y cambios de velocidad con primerísimos planos de detalle, fast motion, cámara sobre personaje, picados en oblicuo, planos divididos en pantalla… Nada que no exista, pero nada que si no se sabe usar no quede fuera de lugar y llame la atención, sin embargo en la película, todo está en su sitio, y todo consigue el efecto deseado. De nuevo se consigue. Al final no entra la imagen por la vista y el sonido por los oídos… esta película te entra por la piel… y cuando acabas de verla, quieres ir a ducharte…

La película es una de esas que tienes que estar preparado emocionalmente para poder ver. El argumento es brutal y te golpea en lo más hondo… La decadencia, angustia y declive de los personajes es bestial… es ciertamente cruda… y no es que las escenas o situaciones que se producen, por duras que sean, no las hayamos visto antes… pero estas situaciones con la fotografía y banda sonora que acrecientan las mismas y sobre todo con el dominio de los diferentes recursos técnicos que aprovecha el director para acentuar las distintas sensaciones de desasosiego, te llevan muchas veces a pensar si tienes necesidad de seguir viendo la cinta o no será mejor darle al pause y respirar un poco de aire fresco…

Si todo esto fuera poco, las interpretaciones son muy buenas, pero si hay que destacar una, esa es sin duda la de la actriz más veterana de la película, Ellen Burstyn, que alcanza un nivel increíble.

Como dije al principio es de las películas que no te dejan indiferente. Para muchos una obra maestra, para otros algo agobiante y desagradable por lo que no hay necesidad de pasar…

Por todo ello, me voy a ahorrar lo de recomendarla o no. Este es uno de mis directores favoritos y por ello puede que no sea objetivo. Si se desea ver un trabajo muy por encima de la media en cuanto a calidad artística, sin duda esta es una gran elección, si lo que se desea es disfrutar viendo una película… quizás hay formas mucho más agradables y menos agobiantes de pasar hora y media.

Avisados quedan…

La Ola

La Ola (2008) Dirigida por Dennis Gansel e interpretada por Júrgen Vogel, Frederick Lau y Max Riemel. En original Die Welle.

Cuando me enteré de que habían sacado una película inspirada en la novela La Tercera Ola, ya había leído sobre el experimento que se realizó en Palo Alto (California) o sobre el experimento de la cárcel de Stanford. Por eso al enterarme me dispuse a verla, pero luego lo deje pasar y no la llegué a ver.

El finde pasado, estaba con unos amiguetes haciendo tertulia de sobremesa de esas en las que arreglas el mundo, y no recuerdo cómo, la conversación nos llevó a lo del peligro de las masas manejadas y salió a colación esta película que todos habían visto menos yo. Volví a hacer anotación mental de verla, pero esta vez no lo he dejado pasar y he cumplido con la tarea.

Siempre me ha gustado leer sobre el comportamiento humano en determinadas circunstancias y en particular, en los comportamientos que tenemos derivados de nuestro carácter de mamíferos de manada que conservamos instintivamente y que sale a relucir en determinadas circunstancias. Para los interesados, Eduardo Punset tiene varias entrevistas con expertos relacionadas con el tema.

Existen muchos estudios en determinados aspectos (equipos de futbol, partidos políticos, nacionalismos…) pero los más apasionantes e inquietantes son aquellos que abordan el comportamiento más extremo en los fascismos.

Hay varios experimentos relacionados con estos temas, realizados todos con estudiantes y todos acabaron teniendo que ser abortados por sus resultados.

De eso va esta película, como ya he dicho, basada en uno de estos experimentos realizado por un profesor en California.

En la película, el profesor tiene que abordar con los alumnos el tema de la autocracia. El primer día de clase, (la película es alemana), los alumnos manifiestan que algo como el nacismo es algo que nunca puede repetirse y no se explican cómo ocurrió.

El profesor, ese mismo día, sin explicarles nada, decide imponer unas pequeñas medidas de disciplina en la clase. Sentarse rectos, levantarse para hablar, cambia los sitios, hace que le llamen señor…

De ahí, hasta el cuarto día, el profesor introduce alguna medida más, como llevar todos una camisa blanca, pero son los propios alumnos los que van introduciendo medidas que les parecen adecuadas, un saludo común, expandir el movimiento…

Sin destripar el final, sólo os cuento que cuando el quinto día el profesor se asustó por lo que estaba pasando y quiso abortar el movimiento era demasiado tarde pues ya tenía vida propia.

La película tiene además el acierto de abordar en los distintos alumnos las distintas actitudes que se suelen dar en este tipo de comportamientos, tanto a favor como en contra y lo que les supone a cada uno de ellos.

Que sepamos encontrar la identidad y el orgullo en la diversidad y no en el sentimiento de pertenecer a una manada diferenciada de las demás es tan fácil como que la razón prevalezca y tan difícil como que superemos nuestros instintos más primarios. El tema da miedo.

Película para reflexionar.

Pi, Fe en el Cáos

Pi, Fe en el Cáos (1998) Dirigida por Darren Aronofsky e interpretada por Sean Gullette. En original π.

"Nota personal: De niño mi madre me decía que no mirase nunca al sol. A los seis años, lo hice. Su brillo me deslumbró, pero eso ya lo había visto. Seguí mirando, tratando de no pestañear. La brillantez fue desapareciendo. Mis pupilas se contrajeron y pude verlo todo claramente. Por un momento lo comprendí.”

Para mucha gente esta película es una obra maestra. Para otra mucha gente, esta película es insufrible. Bueno, seguramente ambos grupos tienen razón, pues se trata de una de esas grandes obras que a su vez son algo difíciles de ver y que dependiendo de lo que cada un busque en una película, algunos que la empiecen a ver dejarán de hacerlo. Quizás esto en pintura se entiende mejor. Un paisaje siempre es agradable de ver, aunque no sea una gran obra. Y por el contrario nadie discute la genialidad del Greco, por poner un ejemplo, aunque en alguna de sus obras te tienes que quedar viéndola mucho tiempo para ver que narices estás viendo. Creo que ambos estilos de arte son necesarios, y a mí particularmente, me gusta mucho el segundo.

La película tiene tantos temas interesantes que no sé por dónde empezar.

El protagonista es un genio matemático que pretende encontrar la clave de Pi, la clave del orden de los números que rigen la naturaleza. Para ello experimenta con algo aparentemente caótico, como es el comportamiento de la bolsa. El personaje sufre de una especie de pesadillas o ataques esquizofrénicos o psicóticos. Este es un de los temas interesantes de la peli, el ver como se trata el problema de esta persona y como su enfermedad le impide establecer relaciones y se siente perseguido hasta por la gente que solamente se interesa por él. En algunos ensayos de psicología o psiquiatría que cuelgan por ahí, ponen esta película como ejemplo o como ejercicio.

Otro tema interesante de la película es que esta está llena de metáforas en cuanto a significado. Los delirios del protagonista, los distintos grupos que le acosan, que son en el fondo distintas maneras de buscar lo mismo para fines distintos (sí, ya sé que no se entiende de lo que estoy hablando, pero tampoco quiero destripar la peli). Hasta la propia frase que he colocado al principio de la entrada, y que se repite a lo largo de la película como un recuerdo del protagonista, es una metáfora del transcurso de la película, lo cual es paradójico en una película metafórica (ahí queda eso).

Para muchos es también un ejemplo de cómo se debe hacer el tratamiento artístico de un film para envolver al público en lo que se quiere transmitir. La película está rodada en blanco y negro, con grano y alto contraste, con primeros planos subjetivos con movimientos a veces delirantes y con una banda sonora electrónica que hace que a veces sientas que el que se está volviendo paranoico eres tú.

El final es parte de la clave del significado de la película, y es a mi modo de ver una de las claves de lo que la convierte en obra maestra del mensaje del doble sentido que es esta película. Todo un acierto.

La acabo de ver por segunda vez, la primera vez que la vi fue hace años y me acerqué a la misma porque había leído que era una película interesante desde el punto de vista de los problemas y enigmas matemáticos. Nada de ello. Los temas matemáticos que se tratan son los grandes enigmas de siempre, así que en este sentido, no aporta nada nuevo. Además, seguramente con cierto punto de vista comercial, se explica bien cada concepto para que cualquiera no iniciado no se pierda.

Sé que me está quedando una entrada algo anárquica, pero en esta peli es difícil explicar el porqué es tan interesante sin poner ejemplos, y si los pongo, os quito parte del aliciente que tiene la película que es que cada uno interprete el significado por sí mismo. Por ello voy a finalizar ya, eso sí, os dejo otra de las citas repetidas en la película (y en las matemáticas en general), que junto con la primera que he puesto, podrían resumir el contenido de la misma:

"Las matemáticas son el lenguaje de la naturaleza. Todo lo que nos rodea puede representarse y comprenderse mediante números. Si dibujas un gráfico con esos números, aparecen patrones. Por tanto: en la naturaleza hay patrones por todas partes."

Para mí, una de las películas más interesantes de los últimos años.